lunes, 28 de febrero de 2011

Los Oscar: Crónica desde Los Angeles


Los Angeles fue este domingo el centro neurálgico del espectáculo del cine. Glamour, cine, periodistas y fans enloquecidos. Y eso que los alrededores del Kodak Theatre estaban prácticamente blindados. Vivir los Oscars bajo el sol de California es sin duda una experiencia fantástica para todos los que amamos el cine. Pero, ¿merece la pena acercarse a la alfombra roja?

Pasaban las tres de la tarde en Los Angeles. El sol, espléndido, hacía que los gigantescos Oscars situados frente al Teatro Chino y el Kodak Theatre resplandecieran con un brillo especial: el brillo de las estrellas. Poco a poco, mientras la ABC retransmitía la alfombra roja y Canal+ daba la réplica para España, me acerqué todo lo que pude a la llegada de las limusinas. Sin embargo, cientos de personas habían tenido la misma idea y todos nos apoltronábamos para intentar ver a nuestros actores favoritos. Pero era una misión prácticamente imposible. O eres de los pocos que acceden como público a la grada de la alfombra roja o te será realmente difícil ver a alguien. Yo apenas pude ver a Jennifer Hudson y Colin Firth desde mi posición. Quizá suene un poco friki, pero creo que todos los que amaís el cine como yo diríais lo mismo: "vale, se ve mejor en la tele, pero mola estar aquí".

Click en la imagen para ver el reportaje de La Vanguardia, desde el mismo lado de la alfombra roja que yo.
Por cierto, salgo en el video


Tras un par de horas metido en ese ambiente, me reuní con unas veinte personas (incluyendo varias jóvenes españolas que habían venido desde Nueva York especialmente para vivir los Oscars en Hollywood). Allí, entre pizzas, palomitas y cervezas, seguimos la gala con atención. Aplaudimos la intervención de Kirk Douglas, nos emocionamos con el discurso de Natalie Portman, reímos con  los montajes videocliperos de las películas y discutimos si Cisne Negro y Aronofsky deberían haber recibido más premios. Entre tanto, uno de los compañeros españoles que estaba con nosotros entró en directo durante la retransmisión que la cadena SER estaba haciendo en España de la gala; una ceremonia ciertamente aburrida (¿Qué le pasaba a James Franco?). La noche hizo justicia con Natalie Portman, que gracias al escalofriante papel en Cisne Negro consigue por fin el reconocimiento que tanto se merece. El discurso del rey fue la triunfadora (mejor película, mejor dirección, mejor guión original y mejor actor para Colin Firth), aunque empató en número de galardones con Origen (fotografía, diseño de sonido, montaje de sonido y efectos especiales). Durante el siguiente video, los rostros de los que estábamos allí demostraban que todos amábamos el cine: con este montaje de las diez candidatas a mejor película del año nuestros ojos se abrían como platos y la emoción podía palparse.



La noche podría haber continuado con una gran fiesta a la que estábamos "invitados". Se trataba de  la que celebraran los productores de la película Blue Valentine, con la nominada al Oscar Michelle Williams. Sin embargo, a pesar de conseguir "por enchufe" que nuestros nombres estuvieran en la lista de invitados, teníamos que pagar veinte dólares para poder entrar. Así que tras un breve debate,  la pequeña colonia de españoles que nos habíamos juntado decidimos que nos apetecía más acercarnos a la fiesta más importante de la noche (con permiso de la que suele dar Elton John): la fiesta de Vanity Fair. Sin duda, el mejor lugar del día para ver a las estrellas.

sábado, 26 de febrero de 2011

Cobertura especial Oscars 2011


Nustros amigos de Sensacine van a realizar un seguimiento especial de los Oscar la madrugada del próximo domingo en Twitter. No os lo perdáis. Por nuestra parte y después de ver los Oscars online año tras año, Planta 13 seguirá la gala desde un apartamento en Los Angeles y se acercará más tarde a la fiesta de Vanity Fair para ver el trajín de famosos atraídos por la fiesta más concurrida de la noche. Esto promete...

viernes, 25 de febrero de 2011

El Frankenstein de Danny Boyle arrasa en Londres


Recuperar una de las criaturas y personajes más clásicos de la cultura popular no es fácil. Adaptar una de las novelas de terror más vendidas de todos los tiempos al teatro, es un reto. Que tanto los aficionados como los críticos disfruten del resultado, es un triunfo. Frankenstein, la adaptación que el director inglés Danny Boyle ha llevado al teatro de la famosa novela de Mary Shelley se acaba de estrenar con un gran éxito a todos los niveles.

"Los primeros diez minutos son impresionantes" dice Henry Hitchings en The Standard. Empezando por la atmósfera y terminando por los decorados y efectos, pasando por la doble interpretación de Jonny Lee Miller y Benedict Cumberbatch, que intercambian los roles de criatura y creador según la función. Los dos entregándose a fondo en estos papeles, teniendo que caminar desnudos por el escenario durante escenas completas de más de diez minutos. Algunos críticos han asegurado que con los recursos del Teatro Nacional de Londres, Boyle dirige el cuento gótico de Frankenstein como un niño en una juguetería, desplegando un increíble diseño de decorados, efectos especiales y una banda sonora original que envuelve a la perfección el guión de Nick Dear (para algunos, la parte más floja de todo el show). "Sin duda el más visceral, emocionante e impactante de los espectáculos que hoy se representan en Londres", según Charles Spencer en the Telegraph.

Cines de todo el mundo retransmitirán en directo alguna de las sesiones en el teatro de Londres, mientras que algunas televisiones ya se han interesado por sus derechos para emitirlo en antena también. Sin duda luce espectacular en el trailer y a tenor de las críticas desde luego debe serlo.

jueves, 24 de febrero de 2011

¿Son reales? No, pero molan


Aunque la productora ha confirmado que son falsos, queríamos resaltar estos posters que algún aficionado ha realizado sobre La piel que habito. A pesar del toque Saw que respiran, la verdad es que molan bastante...

martes, 22 de febrero de 2011

¿Se merece Cisne Negro más de lo que ganará en los Oscar?



ADVERTENCIA: 
LOS VIDEOS QUE ACOMPAÑAN ESTA ENTRADA PUEDEN CONTENER SPOILERS

Cisne Negro cuenta con cinco nominaciones a los Oscar pero no es ni mucho menos la favorita. Pocas posibilidades tiene Aronofsky en un año en que La Red Social y El discurso del Rey se reparten el pastel. ¿Es la película de Aronofksy tan buena como muchos dicen? ¿Está sobre valorada? ¿Se merece más reconocimiento del que recibirá el próximo domingo en le Kodak Theatre?

Aronofsky, director de películas como Requiem por un sueño, La fuente de la vida o El luchador, es uno de los realizadores más potentes y extraños del cine de nuestros días.  Sin embargo, empieza a ser habitual que su trabajo pase desapercibido para la Academia de cine. Año tras año, proyecto tras proyecto, su reputación crece, su fama aumenta y parece poder rozar el Oscar con la punta de sus dedos. Peor aun le falta un poco para alcanzarlo. Además, tiene la terrible traba de que sus películas suelen ser demasiado oscuras (o extrañas) para el gusto de la academia.

Aronofsky vuelve a demostrar con Cisne Negro la impresionante visión que tiene a la hora de rodar y plasmar en pantalla lo que cuentan los guiones con los que trabaja (ligeramente inferiores a su realización). Dado que la película juega al engaño continuamente, en varias ocasiones Mila Kunis y Natalie Portman se cambian los papeles para intrerpretarse la una a la otra, haciendo que el juego de engaños y extrañezas sea contínuo. Y ese es sólo un ejemplo más de su gran labor como director.  Más ejemplos son el impresionante (para algunos repetitivo) uso de los espejos o la sutil labor de efectos visuales empleados para la película. Para muchos que sólo ven lo que les cuentan, todo este trabajo pasa inadvertido, al igual que el uso de la cámara en mano y largos planos que sumergen al espectador no sólo entre bambalinas, sino dentro del propio espectáculo. Cualquiera que haya estado en un rodaje sabe la dificultad de rodar con espejos, y es que los efectos digitales no sirven sólo para explosiones, mundos y criaturas fantásticas; también se utilizan para poder rodar en un mar de espejos y realzar la transformación de la protagonista con fines narrativos y dramáticos.



En las notas de producción leemos que Aronofsky trabajó con su equipo de diseño en la combinación de dos ideas visuales: por un lado, una orgánica visión del ballet a través de un crudo trabajo de cámara en mano, y por otro, una surrealista y aterradora pero también potente serie de imágenes a partir de espejos refractivos e inquietantes visiones de dobles identidades que diluyen los límites de la realidad. El movimiento constante de la cámara da la impresión de bailar y descender a los infiernos junto con el personaje protagonista.

Obviando un siglo de técnica cinematográfica tanto en lo que se refiere a películas de baile como al thriller psicológico, en su lugar, Aronofsky y Libatique (director de fotografía) trasladan su particular y emblemático estilo a un mundo raramente observado con esta cruda intimidad. La mayoría de las escenas del filme se ruedan con una sola cámara en mano que se mueve continua y sinuosamente, sin planos generales o primeros planos.

La tarea de concebir el mundo físico de CISNE NEGRO cayó en manos de la diseñadora de producción Thérèse DePrez. Muchos de los decorados de la película debían presagiar sutilmente lo que más tarde iba a suceder en la representación de “El lago de los cisnes”, durante el explosivo clímax de la película, lo que incluye al austero apartamento en blanco y negro de Thomas Leroy, donde le asigna a Nina unos inusuales deberes para casa, así como la infantil habitación rosa de Nina, que a medida que la historia se va desarrollando le produce menos confort. “Todo es muy sutil, pero visualmente existen unos hilos comunes que mantienen todo completamente unido”, señala DePrez. “Una particularidad de Darren es que no le gusta la decoración exagerada. Por lo tanto, gran parte del trabajo de diseño giró en torno a conectar el personaje de Natalie con la realidad”.



Otro componente clave para construir la atmósfera, el suspense y las emociones contenidas en la película es la música que ha compuesto Clint Mansell, que colabora con Darren Aronofsky desde hace tiempo. Mansell tuvo que enfrentarse al fascinante reto de mantenerse fiel al inmortal legado de Tchaikovsky al tiempo que creaba un ambiente de sonido específicamente adaptado al contemporáneo viaje hacia la oscuridad que emprende Nina. “Supuso un tremendo privilegio trabajar con la fantástica pieza musical de Tchaikovsky. Me infundía el mayor de los respetos, pero también creía que no debía ponerme límites, que me tenía que lanzar absolutamente”, dice el compositor.“Espero ciertamente que al final la gente no piense ‘esta parte la ha compuesto Tchaikovsky y ésta, no’. Mi pretensión es que sea un camino que dos compositores emprenden juntos para recrear una nueva versión de El lago de los cisnes” 


Con motivo del estreno de El curioso caso de Benjamin Button, varios periodistas apuntaron que ciertos directores no están hechos para ganar premios, aludiendo a la maestría del realizador David Fincher y que parecía pasar inadvertida en la ceremonia de los Oscars. La siguiente película del director, es una de las favoritas para la ceremonia de los Oscars del próximo domingo. Veremos si Aronofsky tiene su oportunidad en futuro, porque ya sabemos lo difícil que el cine con tintes de terror lo tiene en La Academia de Cine entrega los prestigiosos galardones.





Echa un vistazo a la ficha de la película en 

lunes, 21 de febrero de 2011

Miguel Ángel Vivas: "Secuestrados no es una Torture Porn"



Este viernes 25 de Febrero se estrena Secuestrados, de Miguel Ángel Vivas. Pudimos verla en Sitges y desde luego no deja indiferente; una de las mejores propuestas del festival catalán. Apenas un mes después de verla en Sitges coincidí con el director en Madrid, durante un taller de guión en la Academia de Cine de las artes y las ciencias. Tras una clase magistral sobre la planificación en cine, pude entrevistarle con motivo de Secuestrados, una película que ganó los premios a mejor filme y mejor dirección en el festival de cine de Texas.

Planta 13: ¿Qué te atrajo de Secuestrados?
Miguel Ángel Vivas: La película surge de un miedo que creo que tenemos muchas personas. El miedo al asalto al hogar. Es un lugar sagrado con tu familia, tu pareja, o quien decidas vivir. Es tu vida. El trabajo forma parte de ella pero llegas a casa, te quitas los zapatos, la corbata y el mal día y todo lo malo desaparece porque ya estás tranquilo, seguro. Es donde está la gente que quieres. Asaltarte ahí es la mayor violación del individuo. En la calle puede pasarte de todo pero en casa no. En casa en teoría estas a salvo. Y la realidad hace que ahora ya no sea así, te asaltan en casa. Es el miedo a vivir esa experiencia y como me daba miedo quise indagar esos sentimientos y sensaciones.

P13: El terror de Secuestrados es un terror realista, como las propuestas de La casa muda, [Rec], Cloverfield… ¿Por qué esta tendencia?
M.A.V: No lo sé. No creo haber rodado este filme influido por una tendencia si no más bien por una necesidad personal. Sí es verdad que en los 60/70 estaba la tendencia de un terror documental (La matanza de Texas y otras muchas…) pero no creo que se pusieran de acuerdo. Sí existe esa tendencia de cine real ahora, tanto en temas como en la forma de contarlo. [Rec] es muy realista pero lo que cuenta es muy “carnavalero”. Eden lake, La casa muda, Secuestrados… No creo que ninguno de los directores lo hayan hecho a propósito sino que más bien han confluido.

P13: Como director, ¿qué diferencias plantea rodar una película en doce únicos planos secuencia?
M.A.V: Rodar en doce planos secuencia merece un toque de inconsciencia absoluta, de saber lo que haces pero no pensar en ello lo suficiente porque es una locura. Sabía que podía ser un batacazo. Era como saltar al vacío sin paracaídas. Sin embargo tenía esa necesidad de contarlo así. Sí es verdad que un proyecto nuevo, sin ser planos secuencia, también tiene unas dificultades muy fuertes. Lo bonito de Secuestrados es que encontré la mejor manera de contarla. La siguiente película no requiere planos secuencias pero necesito encontrar la planificación perfecta. ¿Dificultades a la hora de rodar? Todas. Fueron 3 semanas reales de ensayos (tras reuniones e improvisaciones. La primera semana ensayamos centrados en los personajes, trabajo de lectura de mesa, guión, análisis de qué y por qué pasa cada lo que pasa en cada secuencia… Eran discusiones e improvisaciones. La segunda semana fue más de cara a ensayar la puesta en escena y la tercera semana fueron ensayos con una mini cámara. Grabábamos la escena y así a la hora de rodar finalmente, el concepto de la película estuviera muy claro para todo el equipo. Ten en cuenta que la hemos rodado en dos semanas y no podíamos buscar o experimentar en el rodaje, teníamos que tener muy claro lo que estábamos haciendo en cada momento. 

Las siguientes líneas pueden contener spoilers sobre el final de la película. Marca con el ratón para leerlo:
P13: ¿Era necesario un final tan duro?
M.A.V: Creo que moralmente era el final que pedía la historia. En alguna versión de guión quisimos cambiarlo pero tampoco quiero desvelar mucho de ella. No cuento más para no reventar el final.



P13: ¿Quisiste alejarte de la porn movie?
M.A.V: Totalmente. Secuestrados no es una torture porn. No estamos en ese género. Yo lo que quería era contar una historia que enseñara unos acontecimientos, crear en el espectador la sensación de haber vivido esa experiencia. Mientras investigaba sobre el asunto le pregunté a familiares y amigos y todos me decían lo mismo. “No me puedo imaginar lo que debe ser eso” Y ese “eso” era lo que yo precisamente quería contar. Es un terror más psicológico porque la única secuencia un tanto gore de la película es la de la chica. Soy consciente de que el espectador continuamente rechaza la violencia casi con arcadas. El único momento en que la audiencia lo aprobaría, el único momento en que estará del lado de la violencia es cuando la víctima se venga por lo que le han hecho. Sabía que ahí podía exagerar hacia un grand guignol. No podía hacerlo antes porque el público se levantaría de la butaca y se iría. La película es violenta, sí, pero porque lo que describo es violento. Siempre busqué un equilibrio entre lo que enseño y lo que oculto. Lo que muestro y lo que exagero, que es sólo cuando ella se desahoga. La idea era muy catártica y me centré en la violencia sólo en ese momento.

P13: ¿Llevaste acabo algún tipo de documentación?
M.A.V: Me vi muchas películas pero curiosamente no vi Funny games, a pesar de que siempre la comparan con ella. Me he visto más de los Bardem, los Coen, cine francés para el realismo sucio, 4 meses, tres semanas, dos días y también Irreversible…. Más que nada para ver cómo habían llegado y por qué habían llegado otras personas a contar historias o propuestas similares.

P13:El personaje de Manuela Vellés es quizá el más duro de interpretar…¿Cómo trabajaste con ella para un papel tan fuerte?
M.A.V: Hay una fragilidad en su personaje que no tienen los demás. Yo he planteado los personajes de forma que la madre es una leona, hará lo que sea para defender a su manada (la hija). Al padre nos lo llevamos de la casa porque no hubiera dejado que pasara lo que tenía que pasar y por tanto hace todo lo posible para volver a la casa. Los dos están luchando por salvar a la hija. Si la madre sale de esta experiencia, ella nunca se recuperará. El padre tampoco. La única era la hija, de 18 años. Le costaría mucho pero podría llegar a tener una vida después de lo que le ha pasado. Si ella era la única que podría superarlo quise centrarme en que no fuera posible. Creo que su personaje es el más débil dentro de la familia y el espectador lo sabe.Trabajamos muchísimo con los actores para que todo lo que les pasara lo sintieran de verdad. Discutimos todas las secuencias a pesar de darles momentos de improvisación. A veces el guión decía que tenían que gritar y el actor sentía que no le salía la voz y no gritaba. Trabajamos los personajes y los compusimos a base de recuerdos de ellos mismos. La relación madre hija la planteamos a partir de fotos de ellas mismas y hablando de ello las unieron a su vida ficticia. Así los recuerdos reales de Manuela pasaron a formar parte de los recuerdos del personaje. Cuando están atacando a Isa quiero que el miedo y las reacciones de Manuela sean las que tendría ella en la realidad, que lo sienta y lo viva como si fuera de verdad. Por eso fue tan duro el rodaje, porque no tienes un personaje en el que te refugias. Tenía que conseguir que Ana quisiera realmente a Manuela como su hija para que se le salga el corazón por la boca, para que lo sientan de verdad y no tengan que fingirlo. Todos los ensayos, todas las improvisaciones las orientamos hacia ese objetivo.

P13: La principal herramienta para crear el ritmo de una película es el montaje. Si tienes doce planos secuencia, ¿cómo lo consigues?
M.A.V: Ese fue el reto más difícil y el que más miedo me daba. Obviamente el ritmo está en el tamaño de plano, la duración, el sonido… pero al final en el montaje decides qué subrayas, qué quitas, qué mueves adelante o atrás. Aquí no podíamos hacerlo y por tanto necesitaba un ritmo en la puesta en escena. Tenía que mirar con lo lupa cada momento y para ello decidí dejarme llevar por el instinto y confiar en el de los actores. Estábamos creando una secuencia pero no lo cronometraba todo. Sí que les daba algunas indicaciones para tardar más o menos en algo, pero ellos tardaban lo que tenían que tardar, las personas no son calculadoras. Así conseguimos entre todos montar la película de forma que el ritmo se montaba directamente en escena. Dura lo que inconscientemente yo creía que tenía que durar. Gracias a la cámara, la puesta en escena, el sonido... También con el uso de diferentes puntos de vista.

P13: Uno de los momentos más sorprendentes es el de la pantalla dividida. ¿Cómo surge esa idea?
M.A.V: Me había planteado la historia en planos secuencia y no podía traicionar esa idea. Sin embargo necesitaba el montaje paralelo clásico. Lo normal es tener dos espacios que confluyen en uno solo. Vamos montando entre ambos hasta que finalmente se unen un el mismo espacio. Después de darle mil vueltas decidí la pantalla partida para que fuera el espectador el que pasara de un lado a otro de la pantalla con la mirada. Hay un ejercicio de guión y puesta en escena en el que le digo al espectador dónde tiene que mirar en cada momento aunque él tenga total libertad. Quizá en el segundo visionado el espectador monte la película de forma diferente. Tú eres el montador de esa secuencia. Yo me puse la condición de los planos secuencia y no podía cambiarla. En el guión hay dos columnas para describir con todo detalle lo que ocurre en cada uno de los dos espacios que literalmente confluyen en uno solo. Quería que el abrazo fuera un clímax al unir las dos imágenes.

P13: Parece ser que se está preparando un remake en Hollywood. ¿qué sabes del proyecto?
M.A.V: La verdad es que el filme ha ganado en Austin, ha funcionado muy bien el American film Market y es una película que ha encontrado distribución internacional y se ha vendido a muchos países. Hay varias productoras interesadas en hacerla en inglés. Tenemos varias opciones pero no hay nada concreto así que no puedo decir mucho más por ahora.

viernes, 18 de febrero de 2011

¿Y si el príncipe prefiriera al espejismo?

Cisne Negro es la historia de un hechizo y de un juego de espejos. Un hechizo malvado y cruel. Una maldición de la que no parece haber escapatoria... Y un juego de espejos, de dualidades, de contradicciones en lo que, pese a la buena factura, no deja de ser una historia clásica de mujeres.

El argumento de la obra hunde sus raíces con certera puntería en la trama clásica del ballet que es leitmotiv de todo el film: el Lago de los Cisnes. Sin embargo, hay una variación sutil pero determinante: si en el ballet romántico se cuenta la historia de un hechizo y de un príncipe engañado, en el film se cambia completamente el foco. El príncipe ya no ansía el amor del cisne blanco, símbolo de pureza, sino que busca por todos los medios al cisne negro, lúbrico y lujurioso. Incluso será capaz de provocarlo, de buscarlo, de construirlo, como ya hizo una vez antes... No. El príncipe en esta historia no es el engañado. Será la reina quien sufra sus propios espejismos: reina cisne hechizada y además víctima de sus propio engaño; a un tiempo Odette y Odile, y temerosa de su propio desdoblamiento terrorífico.

 Cuando nos sumergimos en Cisne Negro nos perdemos en un juego de espejos. Espejos que marcan haz y envés de una misma personalidad; que configuran realidades alternas y que bailan, como la protagonista, entre lo real y lo soñado, entre lo onírico y lo manifiesto. Muy buen uso de los efectos digitales para mostrar la transformación en cisne. Genial fotografía y muy cuidada puesta en escena en una película plagada de movimientos imposibles de cámara frente a un sinfín de reflejos. Cada espejo cuenta. Cada reflejo mostrado, desde el primer minuto, es un elemento más de la trama.

Han dicho que Natalie Portman es la columna vertebral del film. Lo es. La columna y las articulaciones, y las extremidades y lo más importante: las emociones. La actriz despliega en su interpretación una versátil variedad de registros. Nos lleva de la mano, nos acompaña, nos desvela sus secretos y, cuando menos lo esperamos, nos muerde y nos apuñala. La acompañaremos en el paso de una tardía adolescencia artificial que arroja por el conducto de la basura hasta una madurez cruenta y mordaz, incluso asesina y cruel.

Innovadora propuesta estética y film robusto, bien armado y defendido. Eso sí, una trama clásica del cine femenino. De nuevo la dualidad de la mujer buena, virginal y asexuada, frente a la mujer malvada, erótica y lasciva pero portadora de la enfermedad y destinada a no alcanzar la redención sino a través de la muerte. Eva y Lilith, una vez más, juntas en la pantalla y bailando frente a un caleidoscopio de espejos. Casi frente a un anagrama, como reminiscencia de la clásica Theda Bara, que escondió la muerte entre las letras de su nombre. Nuestra Odette deberá sumergirse en su propio subconsciente y traspasar el trance edípico de suprimir la acción materna para verse, no sin temor a sí misma, convertida en la Odile que el príncipe ansía (su princesa). Queda la duda de la motivación de la protagonista: ¿Es por amor? ¿Por celos? ¿Es despecho? ¿Es por ambición? ¿O es, como ella misma menciona, el afán por alcanzar una perfección inalcanzable? Eso, y todo lo demás, tendrán que decirlo los espectadores.


jueves, 17 de febrero de 2011

Dead Island: fantástico avance


Creo que nunca hemos hablado de videojuegos en Planta 13. Pero hay que reconocer que el trailer que se han sacado de la manga para promocionar Dead Island tiene una pinta espectacular. Casi podría ser un corto en sí mismo y si no fuera porque nuestros compañeros de Cookies on the Net lo han colgado en su facebook esta mañana se nos habría escapado. 

Antes de nada baja inmediatamente a verlo si no lo has hecho ya. Te esperamos. 

¿Listos? Pues empecemos... Dead Island es un juego de terror y supervivencia en primera persona, un shooter en toda regla. La idea básica es ser capaz de sobrevivir en una isla infestada de zombies, aunque según los creadores (citados en la wiki) el juego hará un énfasis especial en los personajes, para no ser otro más dentro del montón de videojuegos de estilo y temática similar. Ya que el juego, como tantos otros proyectos, está claramente influido por el cine de Romero y dará la opción a los jugadores de elegir entre varios personajes para luchar contra los zombies.

¿Y por qué decido hablar de este videojuego en concreto? Pues porque el trailer tiene un aspecto fantástico. Me encanta el montaje del vídeo y cómo van presentando la información y contando esta pequeña historia. Como decíamos antes, podía ser perfectamente un corto, ya que el vídeo tiene lo esencial (principio, nudo y desenlace). Que a nadie le extrañe que pronto se hagan con los derechos para hacer una película.

miércoles, 16 de febrero de 2011

La venganza de Almodóvar


Ayer se aprobó la Ley Sinde pero en Planta 13 intentamos pasar de la política y no dar más caña de la necesaria, que aquí venimos a hablar de cine. Y, como parece que el ritmo de temas y novedades es escaso en proyectos estadounidenses, seguimos hablando de cine español, gracias al que probablemente sea nuestro director más internacional, Pedro Almodóvar.

Hace unos días se publicó de manera oficial el primer poster de la película La piel que habito, una historia cercana al terror en la que un cirujano plástico se venga sádicamente del hombre que violó a su hija. "Me hallo en plena postproducción", comenta el director. "Ahora que ya la he visto, creo que la película es un intenso drama que a veces se inclina por el noir (cine negro), a veces por la ciencia ficción, y otras por el terror". La película está basada en la novela Tarántula, del francés Thierry Jonquet, y mezclará varios géneros, como suele ser habitual en su cine (Volver rozaba en algunos momentos el cine de fantasmas).

Antonio Banderas vuelve a ponerse a las órdenes del director manchego veintiún años después de su última colaboración. Y aunque el papel femenino de la historia estaba pensando para su musa Penélope Cruz, Almodóvar ha contado finalmente con Elena Anaya. Acompañan Marisa Paredes, Jan Cornet y Roberto Álamo, así como Blanca Suárez, Eduard Fernández y José Luis Gómez, entre otros. Y como también es habitual, contará con la fotografía de José Luis Alcaine, el montaje de José Salcedo y su imprescindible músico Alberto Iglesias.

La película, que tenía una fecha inicial de estreno prevista para Marzo de 2011, llegará finalmente en Septiembre y con un posible estreno a nivel mundial.

martes, 15 de febrero de 2011

RATED R - La inconsciencia de la creatividad

“Supongo que la creatividad es ser lo suficiente estúpido como para no darte cuenta de que no puedes. Y entonces ir y hacerlo”, Gareth Edwards, Director de Monsters.

Pasaban las once de la noche del viernes ocho de Octubre. Mientras en el bar del hotel Meliá de Sitges Vincet Casell disfrutaba de su particular fiesta, en una de las habitaciones del cuarto piso nuestra botella de tequila se vaciaba trago a trago. John Fallon, webmaster de Arrow in the Head, me recomendaba encarecidamente que no me perdiera la película española Kidnapped, que él había podido ver en el festival de cine de Texas. Fue allí el primer pase con prensa y público de Secuestrados (Kidnapped), una película de Miguel Ángel Vivas que terminó llevándose los premios a mejor película y mejor dirección en el festival estadounidense. “The end is a fuc*ing shock”, decía mientras servía otro tequila a la organizadora de un festival fantástico de Francia.

No es que me hicieran falta alicientes para ver la película de Vivas. Desde el momento en que supe que estaba rodada en doce planos secuencia me tenían comprado. Si el cine fuera sexo, los planos secuencia serían mi equivalente a la mejor de las felaciones. Así que cuando, entre tequila y tequila, me dijeron que la película era brutal, sentí ese pequeño cosquilleo que uno siente cuando nota las manos de su pareja acercarse a zonas peligrosamente tentadoras. 

Pero cualquier estado de excitación, cualquier analogía sexual en la que pudiera pensar, se esfumó en cuanto las luces del Auditori se apagaron y comenzó la película unos días después. Y no porque me decepcionara. Todo lo contrario. La película me agarró de las pelotas y no me las soltó hasta que mi cara había pasado por todos los colores de la paleta del Photoshop. La experiencia de ver la película, según lo que me contó el propio director, tenía que ser idéntica a la que viviera una familia secuestrada. El espectador debe meterse en la película, debe dejarse llevar. Pero hay que verla en las condiciones apropiadas (y no una de esas mierdas de screeners que la gente se empeña en descargar). Porque si no, el efecto de la película se pierde. Es como ver [REC] mientras estás chateando en el ordenador. La experiencia se va al carajo.

Por tanto, si ves la película en el cine (o te las compras cuando salga a la venta como pienso hacer yo), podrás disfrutar de “la película más bestia de Sitges”, según una crítica de El País que el equipo de marketing se ha encargado de resaltar en el último tráiler del filme. La película, para quienes aun no sepan de qué estamos hablando, supone el segundo largometraje de Miguel Ángel Vivas, que sintió la necesidad y el reto de contar una historia en tiempo real para experimentar (y quizá purgar) uno de sus mayores miedos: ser atacado en su propio hogar. Los personajes de Fernando Cayo, Manuela Vellés y Ana Wagener forman el trío protagonista, una familia que se muda a su nueva casa y la primera noche es atacada y secuestrada dentro de su nuevo hogar. 

Sin embargo, no es sólo lo que cuenta, sino cómo lo cuenta. Miguel Ángel Vivas decidió rodar toda la película en planos secuencia, consciente de lo complicado que todo iba a resultar pero con ese toque de creatividad del que hablaba Gareth Edwards en la cita que daba inicio a este artículo. El propio Vivas habla de forma similar de esa inconsciencia creativa: “Rodar en doce planos secuencia merece un toque de inconsciencia absoluta, de saber lo que haces pero no pensar en ello lo suficiente porque es una locura”. Semanas de ensayos, conversaciones, planificación… Fue necesaria mucha preparación para intentar que cuando la cámara comenzara a rodar estuviera todo bajo control. Pero era necesario. Esa era la mejor manera de contar la historia, independientemente de los retos que supusiera. Entre otras cosas, debían ser muy conscientes de la planificación, ya que entre los actores y la planificación iban a llevar el ritmo del filme. Pero tampoco quisieron pecar de exceso de preparación y caer en la temida sobreactuación, así que las directrices de Miguel Ángel podían ser ligeramente modificadas por el actor si este necesitaba gritar según el guión y en ese momento al actor le salía agonizar. Los actores seguían las órdenes del director con la libertad de hacer lo que “sentían” en el momento de rodar.

Desde luego, no faltan las críticas que tachan la violencia de la película de gratuita y excesiva. Incluso habrá quien quiera compararla con la saga de Hostel o Saw, cuando no tienen nada que ver con las intenciones de una torture porn como las citadas: “No estamos en ese género. Yo lo que quería era contar una historia que enseñara unos acontecimientos, crear en el espectador la sensación de haber vivido esa experiencia. Es un terror más psicológico porque la única secuencia un tanto gore de la película es la de la chica, el único momento en que la audiencia aprobaría la violencia”.  Y menuda forma de aprobarla. El momento al que hace referencia el director en esa cita es una de las secuencias más espectaculares. No sólo por lo que ocurre (cerca del final de la película), con uno de los personajes protagonistas ensañándose con uno de los asaltantes. Toda la secuencia es espectacular también por la forma de plasmar en pantalla lo que ocurre. 


¿Cómo te las ingenias cuando necesitas utilizar un montaje paralelo pero no quieres romper la filosofía secuencial de tu película? La respuesta es algo que yo esperaba que hubieran hecho en [REC] 2 pero que he visto en Secuestrados. Sin desvelar mucho, os dejaré una pista. ¿Qué puede ser mejor que recibir sexo oral de una persona? Recibirlo de dos a la vez…


lunes, 14 de febrero de 2011

Spanish Zombies: comienza la invasión


Ya hace tiempo que fuera de España se habla de la "edad dorada del cine de género español", como pudimos comprobar en las ruedas de prensa del Festival de Sitges 2010. Por eso no es de extrañar que en un movimiento cinematográfico con el terror por bandera aparezca lo que podíamos considerar un subgénero: el cine de zombies. El cine español será invadido próximamente por hordas de infectados con mucha mala (y coagulada) sangre. De los infectados de habla hispana de  [REC] Génesis a los zombies de lengua inglesa de Miguel Ángel Vivas y Manuel Carballo.

Miguel Ángel Vivas, a punto de estrenar esa gran pesadilla y mejor película que es Secuestrados, será el encargado de llevar a la pantalla Y pese a todo, la novela de Juan de Dios Garduño que ha publicado Dolmen en España. Después de que Vaca Films se hiciera con los derechos de la novela, Miguel Ángel Vivas se presentaba como una gran opción para un proyecto rodado en inglés y en Estados Unidos. No tienen fecha de rodaje ni mucho menos de estreno, ya que aun se trabaja en el guión. Alberto Marini (escritor de Mientras Duermes), sigue trabajando en ello, aunque a buen seguro Vivas ya se está reuniendo con él para unificar puntos de vista.

La sinopsis oficial de la novela cuenta que durante el mandato del presidente Obama, Estados Unidos tiene constancia de que Irán va a cometer un ataque contra sus bases en territorio aliado. Ante la estupefacción del mundo entero le declara la guerra. Rusia y China se alí­an con Irán; Gran Bretaña e Israel con los americanos y, así­, paí­s por paí­s, todos toman parte en la 3ª Guerra Mundial. En pleno enfrentamiento, y ante la devastación que producen las armas nucleares, los rivales deciden utilizar las armas quí­micas, más baratas y más fáciles de fabricar. Se crean nuevas cepas de virus ya existentes, utilizando el ADN recombinante y extinguiendo así­ a casi toda la población mundial. En la ciudad de Bangor, Maine, sólo han sobrevivido tres personas. Peter, su pequeña hija y Patrick Sthendall, su odiado vecino. En una población totalmente nevada, gobernada por temperaturas que bajan de los diez grados bajo cero, los dos hombres se enfrentarán a algo más que al odio que sienten el uno hacia el otro. Unos visitantes con los que no contaban.

Por su parte, Manuel Carballo, director de La posesión de Emma Evans, realizará su próximo proyecto basándose en una trama de zombies. The returned será la historia de Kate, quien trabaja en un hospital en Reino Unido ayudando a las personas que son infectadas por un virus que las convierte en zombis. Jack, su marido, es uno de los se infectó y falleció... Y ahora, ha regresado. Se desconocen fechas de rodaje para este proyecto.

Pero la que sí tiene fecha de estreno aproximado (Octubre 2011)  es [REC] Génesis, película que podría inaugurar el Festival de Sitges 2011. Ya sabemos que en la segunda entrega la historia dio un giro hacia el cine de exorcismos, pero no dejan de ser zombies. Infectados por el virus de una posesión demoníaca, pero infectados al fin y al cabo. Esta nueva entrega, que estará ambientada temporalmente antes de los hechos de [REC], tiene lugar a kilómetros de distancia del foco inicial de infección en el ya famoso edificio del Example de Barcelona. Para añadir un toque original, la película se desarrollará casi enteramente de día, con la presencia de actores más conocidos como Leticia Dolera y Diego Martín. Según la fuente original de la información, en el sitio web Bloody Disgusting, esta entrega "unificará los argumentos de las dos primeras películas" y funcionará como un "decodificador para descubrir información oculta en los filmes previos". Por supuesto "dejará la puerta abierta para la futura [REC] Apocalypse".




viernes, 11 de febrero de 2011

La saga de terror más taquillera de la historia

 

Esta semana se ha publicado el número uno de la revista Cinemascomics (podéis descargarla a la derecha), en cuyo interior podemos encontrar un análisis de la saga Saw, que el año pasado entró a formar parte del libro Guinnes de los Records al ser la franquicia de terror más taquillera de la historia del cine, superando a Viernes 13, Halloween o Pesadilla en Elm Street. El autor del artículo, nuestro amigo Gerard Fossas, de Butaca Preferente, nos ha dado permiso para resumir las claves del éxito de la saga creada en 2004 por James Swan.

- La sombra de Seven es alargada:
Tanto su diseño de producción (decorados sucios, degradados y nauseabuandos), como por su elección sonora (música electrónica, potente), son herencia del filme de Fincher. El ritmo brutal del montaje también es herencia del filme protagonizado por Brad Pitt. Incluso el transfondo de la saga Saw también está influido por el filme de Fincher (la base moral y doctrinaria de los asesinos es bastante semejante en ambas películas, aunque Saw va un paso más allá en la morbosa contemplación del castigo que sacia el lado oscuro de los espectadores.

- "El efecto Hannibal Lecter":
Sin lugar a dudas lo mejor de Saw, al menos para Planta 13, es la tremenda fuerza de Jigsaw. Y es que, aunque aun necesita un tiempo sin aparecer en pantalla para ver si su legado iguala al del Hannibal de Hopkins, es cierto que Tobin Bell ha construido junto a los guionistas y directores de la saga uno de los villanos más míticos de la historia del cine de terror. Con su mezcla de maldad, inteligencia y actitud doctrinaria. Y su puesta en escena es fantástica, con el inquietante muñeco del triciclo.

- La polémica:
Aunque desde luego no era su intención inicial, la saga se ha convertido en un símbolo de la libertad de expresión (al menos es España, donde llegó a ser calificada como "X" la penúltima entrega). Como siempre en estos casos, la polémica sólo consiguió una cosa: aumentar la expectación por la película en concreto y la saga en general.

- No son sólo "secuelas":
A diferencia de lo habitual en las sagas de terror, donde cada película es independiente de las anteriores, en Saw parece haber un hilo argumental que une la saga completa. No sólo existen unas reglas comunes que se van cumpliendo en cada entrega, sino que cada historia se alimenta de las anteriores, reutilizando personajes, escenarios y hasta espacios temporales. 

¿Aun con ganas de más? Corred a descargaros el número uno de Cinemascomics, donde Gerard Fossas profundiza en estas y otras claves del éxito de la saga de terror más taquillera de la historia.

ADVERTERCIA: 
El siguiente trailer está hecho por un fan y no se ha cortado
a la hora de poner spoilers y sangre a raudales

jueves, 10 de febrero de 2011

Jeepers Creepers 3: ¿Se hace o no se hace?


En 2001 llegó a las pantallas Jeepers Creepers, un filme que sin grandes estrellas, directores consagrados ni mucho presupuesto, consiguió un éxito arrollador en las salas de medio mundo. Tan sólo dos años tardaron en estrenar la segunda parte, que también funcionó en la taquilla. Víctor Salva, director de ambas, aseguró entonces que tenía en mente cerrar con una tercera entrega. Pero esta jamás llegó a realizarse y nunca más se supo. Hasta ahora.

Víctor Salva se encuentra ahora mismo enfrascado en la producción de Rosewood Lane, para la que acaba de anunciar que quiere a Rose McGowan (Planet Terror). Ha sido mientras le entrevistaban con motivo de ese filme, cuando dejó escapar que MGM (hasta hace unos meses en quiebra) por fin parecía tener un principio de acuerdo económico para hacer Jeepers Creepers 3. "Me han dicho que estamos muy cerca de conseguir financiación para un tercer filme. Así que me gustaría decir que sí, pero no quiero maldecirla por hablar de nuevo. Mi guión para la cinta, que ha sido escrito hace tiempo, sirve de antesala a una serie de televisión con Poho County y The Creeper. El libreto lleva listo para rodarse desde hace un tiempo".

Así que, si todo va bien, una vez finalice el rodaje y post producción  de Rosewood Lane, Víctor Salva volverá a dar alas al Creeper para que haga de las suyas, con vistas a crear una serie de televisión que continúe la trilogía. Seguiremos informando..


martes, 8 de febrero de 2011

Trailer y detalles de SUPER 8, lo nuevo de J.J. Abrams

Fotograma de Super 8

Es uno de los proyectos más esperados por los aficionados, aunque quizá el público mayoritario no sepa nada de ella. Precisamente por eso, y aprovechando el lanzamiento de un spot del filme durante la Super Bowl, J.J. Abrams ha hablado con Los Angeles Times para revelar nuevos detalles de Super 8, su próxima película.

Producida por Steven Spielberg, Super 8 es el tercer largometraje dirigido por Abrams, todo un fenómeno en la televisión estadounidense (Alias, Perdidos, Fringe). Tras la más que decente Misión Imposible 3 y el gran éxito de su Star Trek, Abrams regresa al cine con lo que más le gusta hacer:  “A medida que el proceso avanzaba, me di cuenta de que tenía el potencial de hacer mi clase de película favorita, que es del género más difícil de definir”, dice Abrams. “Por eso se podría decir, con razón, que es una película de ciencia-ficción, o también se podría decir, y también con razón, que es una historia de amor, o se podría decir, y con razón, que es una comedia, o se podría decir, y también con razón, que es un espectáculo de efectos especiales. Esa clase de cóctel es algo que me encanta en las películas... y así es como empezó a tomar forma esta película”.

Y poco más quiere decir Abrams del tema. Ya sabemos lo amante que este hombre es del secretismo: “Creo que lo único que tiene que saber la gente es que es una película de aventuras acerca de un pequeño pueblo y que es graciosa, tierna y terrorífica, y que hay un misterio. ¿Qué es esa cosa que se ha escapado? ¿Cuáles son las ramificaciones de su presencia? ¿Y cuál es su efecto en la gente? Pero ya sé que eso no es suficiente. Mira, creo que necesitamos un poco de jolgorio público porque nos enfrentamos a grandes sagas y marcas, y la mayoría de la gente no sabe qué es 'Súper 8'. Somos una excepción total en un verano con enormes películas... y no queremos ser tan discretos o tímidos que a la gente no le importe o no oiga hablar de ella”.

Pero, ¿de qué diablos trata el filme? ¿Qué es Super 8? El nombre proviene del formato cinematográfico de Eastman Kodak a finales de los sesenta representó un ritual de iniciación para varias generaciones de directores nóveles, entre ellos Spielberg y Abrams. La película de Paramount Pictures está ambientada en Ohio en 1979 y presenta a un grupo de 6 jóvenes que están utilizando una cámara de Súper 8 para hacer una película de zombies. Su proyecto les lleva a un paraje rural y, mientras la cámara rueda, un camión choca con una locomotora justo a su lado y se produce el descarrilamento que pudo verse en el teaser. Entonces, algo surge de entre la chatarra, algo decididamente inhumano.

La película comenzó como dos proyectos distintos que terminaron por fundirse debido a sus deficiencias individuales. El primero era una historia acerca de un grupo de jóvenes y de la forma en la que ven el mundo y se ven unos a otros a través del visor de su cámara de Súper 8. A Spielberg no terminaba de gustarle la idea. “Ahí no había gran cosa, - dice Abrams- y era frustrante porque no avanzaba en mi cabeza... no podía decir de qué iba la historia. Sabía los personajes, sabía las situaciones, sabía que había temas sobre las clases sociales y una historia de amor en su núcleo, y que sería una película sobre el paso a la madurez".

Steven Spielberg y J.J. Abrams
Mientras tanto, Paramount había comprado una idea para una película de terror acerca de la investigación en 1971 del Área 51 y del accidente que ocurrió con uno de los tres trenesque transportaban materiales secretos de la base. Tras medio año divagando sobre cómo llevar adelante esos dos proyectos, decidió que la mejor manera sería unirlos.

Y entocnes sí. Spielberg se sintió atraído por la mezcla de géneros. Al parecer los temas que quieren explorar con Super 8 tienen un enfoque similar al que Spielberg llevo a cabo sobre la familia en E.T: el extraterrestre. La película empieza con una muerte por accidente en una fábrica que tiene mucho que ver con el mundo real. “Es una película que trata acerca de superar la pérdida y volver a encontrar tu camino, a encontrar tu propia voz”, dice Abrams. “Un chico que ha perdido a su madre y un hombre que ha perdido a su mujer. Y ahí está ese padre que, debido a la mentalidad de la época, nunca tuvo que ejercer realmente de padre. Es un buen hombre, muy trabajador, es concejal del ayuntamiento, pero nunca ha destacado como padre”.

Entocnes, ¿por qué tanto secretismo? Al fin y al cabo lo que se ve en el anuncio de la Super Bowl ya deja muy claro qué tipo de película es: un homeanje al Spielberg de los ochenta. Aventuras y efectos especiales, pero con alma, con sentimiento. Sin embargo, a pesar de lo mucho que Abrams quisiera ocultar hasta el estreno, se ve obligado a promocionar Super 8 para luchar contra la terrible competencia del inicio del verano: “Tenemos un reto muy grande con esta película. Sí, contamos con el nombre de Steven y con mi nombre (si es que el mío vale algo), pero no tenemos a ningún superhéroe famoso, no tenemos ninguna saga o precuela preexistente, ni la protagoniza nadie de quien se haya oído hablar. No hay libro, ni juguete, ni cómic. No hay nada".

lunes, 7 de febrero de 2011

El misterio del manuscrito enrollado

Un momento del rodaje de 11-11-11

Hace un mes comentamos que Darren Lynn Bousman, director de Saw II y la inminente Monther´s Day, se encontraba en Barcelona rodando su siguiente filme, 11-11-11. En su blog personal, el director comenzó a relatar las curiosidades de la localización: una antigua casa con restos de fiestas sexuales al estilo Eyes Wide Shut y con falsos muros y pasadizos. Ahora, los restos de aquellas orgías de enmascarados han quedado prácticamente olvidados y el director está ansioso por ver qué más ocurre en el set

Rodaje de 11-11-11
Y es que lo que sucede tras las cámaras de esta nueva película ofrece material  para otro filme totalmente diferente. No basta con encontrarse pasajes secretos, símbolos místicos y muros secretos. Ahora parece que ha caído una maldición sobre sus cabezas. La script, un ayudante de dirección y otros miembros de la producción han sufrido extraños accidentes sin aparente explicación: "De nuevo, claro, será una una coincidencia. Pero una extraña coincidencia, ¿verdad?", comenta el director. Incluso su propio padre, que hará un cameo en la película, cayó enfermo a las dos horas de llegar a la localización.

Sin olvidar que uno de los productores parece haber visto algo que le dejó pálido y ligeramente traumatizado pero de lo que no quiere hablar para no preocupar al director, según su propia versión de los hechos. Y lo mejor, parece, está aun por llegar, ya que todo esto ha ocurrido a plena luz del día. "Tengo muchas ganas de ver qué pasa cuando empecemos a rodar de noche", asegura Bousman. Y es que el director parece que tiene ganas de seguir indagando en los misterios. Porque sino, uno no se explica cómo puede desear rodar de noche después de todo lo ocurrido. Para colmo, encontraron un pequeño papel enroscado y escondido en un muro. Aun no saben qué quiere decir  el texto escrito en él, pero mientras hablaban de ello, se acercó un vecino de la zona.

El misterio del papel enrollado

- ¿Rodando una película? - Preguntó el hombre.

- Sí - Respondió el director


- Desde luego la casa tiene sus historias


- ¿Qué clase de historias?

- Puede que de las que no quiera oír



Fuente: Darren Lynn Bousman

sábado, 5 de febrero de 2011

Encerrados con el mal en estado puro


M. Night Shyamalan se hizo un hueco en Hollywood gracias a grandes éxitos como El sexto sentido y trabajos más personales y aplaudidos por la critica como El protegido o El bosque. Sin embargo sus últimos proyectos se han precipitado hacia un abismo de fracasos en taquilla con un final impreciso. Quizá por eso sea un buen momento para comenzar "Night Chronicles", un proyecto que llevará a cabo varias películas basadas en ideas originales suyas, pero dirigidas por directores más jóvenes.

La primera en llegar es La trampa del Mal (Devil, en su titulo original), una película decente que, con el valor de Rodrigo Cortés en Buried, podría haber sido mítica. La premisa es sencilla: cinco desconocidos quedan atrapados en un ascensor. Uno de ellos es el Diablo. Así de sencillo e interesante a la vez. Si la película se quedara dentro del ascensor podría haber sido algo tan claustrofóbico como Enterrado, pero por desgracia para muchos espectadores, la película tiene más puntos de vista. Si se concentrara la acción en el interior del ascensor no sólo aumentaría la claustrofobia del espectador, sino que aumentarían las dosis de suspense e intranquilidad, al no tener más puntos de vista que el de los protagonistas. Por cierto, que sería también una forma más de empatizar y "vivir" con ellos la experiencia. Sin embargo, tenemos más personajes en la película, como el personal de seguridad y mantenimiento del edificio, meras marionetas del plan del Diablo.

La película tiene momentos de gran tensión: cada uno de los ataques dentro del ascensor, especialmente cuando la luz desaparece y todos saben que algo va a pasar. Además resaltan algunos detalles de la realización (los planos invertidos del inicio). Toda una demostración de John Erick Dowdle, director de Quarantine, que salva un pequeño presupuesto y firma un largometraje de un empaque visual y narrativo más que digno que rinde homenaje al cine de su productor, Shyamalan. Incluso algunas imágenes parecen salir directamente de la mente del director indio (El momento en que un hombre cae de lo alto del edificio y se estrella es una imagen que recuerda bastante a los suicidios masivos de The Happening).

Se echa en falta algo de coraje para rematar la trama. Y es que como viene siendo habitual en el cine del director indio, el final no es todo lo que podría haber sido, quedándose en buenas historias no tan bien resueltas. Entretenimeinto asegurado pero sin grandes maravillas. Peligro de decepción con el final...

jueves, 3 de febrero de 2011

Fincher quiere a Rooney Mara desnuda en un poster

Después de películas como El curioso caso de Benjamin Button o La red Social, muchos fans de David Fincher tenían ganas de que el director de Seven y El club de la lucha volviera a ese estilo duro de sus inicios. Desde luego, parece que The girl with the Dragon tatto, adaptación de la famosa trilogía Millenium, supondrá tan ansiado regreso. O al menos eso parecen indicar las informaciones que llegan sobre el tono elegido para la promoción del filme.

Mucho se escribió sobre quién sería la elegida para interpretar al oscuro personaje de Lisbeth Salander. ¿Quién acompañaría a Daniel Craig, el otro protagonista de la cinta?  Los rumores se esparcieron por toda la red durante meses. Que si esta, que si la otra, que si la de más allá. Finalmente fue Rooney Mara, una cara poco conocida para el público. Fincher se había quedado prendado de la capacidad interpretativa de la joven tras trabajar con ella en La red social, donde Mara tenía un pequeño papel. A ella la hemos visto en la última versión de Pesadilla en Elm Street o en un par de pequeñas películas. Al paso que va, su cara pronto será reconocida mundialmente. Ya el lanzamiento de las primeras fotografías oficiales (como las que acompañan esta información) fue todo un acontecimeinto, circulando como la pólvora no sólo por Internet, sino por revistas impresas, periódicos y televisiones de medio mundo. Ese aspecto de "no me toques las narices o te rompo las piernas" se mezcla a la perfección con cierta sensualidad y, desde luego, provocación.

Y Fincher parece querer ir un paso más allá según las últimas informaciones que llegan de la película. En declaraciones ofrecidas por The Hollywood Reporter Fincher ya sabe cómo quiere que sea el poster de la película: "Saca un Ipad y hace click en una foto que piensa utilizar para el poster de la película. Muestra al actor Daniel Craig medio escondido detrás de la coprotagonista, Rooney Mara, quien mira directamente a cámara. El pelo de punta, la cara con piercings de anillos, su cuerpo cubierto de tatuajes. Es en blanco y negro y es preciosa, pero es imposible que ningún estudio deje a Fincher usar la imagen, y él lo sabe. Porque Mara está desnuda de cintura para arriba".

El problema es que los encargados de calificar las películas son los mismos que se encargan de aprobar todo el material promocional. Así que lo más probable es que pongan el título sobre su pecho, o quizá algo de Photoshop para añadirle ropa. Aunque lo más probable es que el poster no llegue a ver la luz. Al menos no para la campaña de promoción. Siempre quedan los extras del DVD con "diseños descartados" o incluso la venta del poster tras su lanzamiento en cines.


miércoles, 2 de febrero de 2011

Monsters: esa gran incomprendida



Ya lo avisamos. Esto no es District 9. Tampoco La guerra de los Mundos. Monsters es una película pequeña, más cercana a La carretera que a los blockbusters de Spielberg. Monsters es Lost in translation, es Antes del amanecer. Lo importante no son tanto los monstruos, como la relación que fluye entre los personajes en ese entorno. Se trata de una apuesta cinematográfica fantástica. El único problema, si eres de los que se ha sentido estafado por la película, es haberte dejado engañar por la campaña de promoción.

Es culpa de las secciones de marketing, de quienes quieren vender la película como lo que no es. Venden lo que no tienen, venden lo que va a ser más comercial, lo que la gente "quiere ver". Pues mira, no. Yo no quiero ver siempre La guerra de los mundos y comer palomitas. A veces me gusta sentarme y que a través de la ciencia ficción me hagan pensar en temas más propios de un drama. Me gusta el cine que va "a saco", si se me permite la expresión. Pero a veces el cine tiene que ser pausado, de ritmo suave. No todo debe ser una apoteosis de acción. Una buena secuencia dialogada puede ser fantástica.

Tachar Monsters de aburrida sólo cabe en la mente de alguien con ganas de acción a raudales. En ese caso, estás en tu derecho de despotricar de la película. Pero, amigo, esto no es un filme de acción. Las pocas set pieces de la cinta se enseñan en los trailers. Y la primera, que podéis ver a continuación, es el inicio del filme. 

SPOILERS A PARTIR DE AQUÍ

Si no has visto la película, yo que tu no seguía leyendo. Porque esto es como reventar el final de Perdición o El sexto sentido


¿Seguis conmigo? Pues adelante...

Es precisamente esta secuencia que podéis ver aquí abajo la que más comenté con el director cuando pude hablar con él en Sitges. Y es que el inicio del filme es, al mismo tiempo, su final. "muy pocos se dan cuenta", me comentaba. "La mayoría tienen la sensación de que hay algún enlace, pero no están seguros de que vaya más allá del tarareo". Es la segunda vez que ves la película cuando te das cuenta de lo que realmente supone el inicio del filme. Gareth Edwards, el director, me contó que tuvo muchas reuniones con los productores porque creían que era demasiado obvio lo que se enseñaba en esta secuencia. Sin embargo, a no ser que alguien que ya la ha visto de una pista de que la apertura es más importante de lo que parece, no eres consciente de lo mucho que se esconde en estos planos."La gente tiene tantas ganas de ver a los monstruos que no se dan cuenta de lo que pasa en la otra parte del plano". Fantástico trucaje por parte de Edwards y magistral lección de cómo jugar con la percepción del espectador.

martes, 1 de febrero de 2011

Los discípulos de Satán vuelven a hacer de las suyas

Hacía unos cuantos años que los exorcismos, las posesiones y los demonios no se dejaban ver por las pantallas. Este 2011 traerá varios filmes sobre el tema (El rito, El ultimo exorcismo), aunque hoy nos vamos a centrar en una serie británica de 2008, Apparitions. Madura, inquietante y muy bien realizada, la miniserie de la BBC no ha tenido una gran popularidad, pero desde luego merece la pena hacerse con ella y disfrutar de las seis horas de misterio que propone la serie creada por Joe Aherne.

Apparitions es un drama de terror sobrenatural centrado en el personaje del Padre Jacob Myers (Martin Shaw), un sacerdote encargado de investigar milagros para posibles canonizaciones. Sin embargo, sus habilidades como exorcista no pasan desapercibidas para las fuerzas del mal que temen que el sacerdote sea ascendido a Jefe de Exorcistas del Vaticano. Es por ello que se inicia una lucha casi directa con Satán. Jacob se enfrentará una y otra vez a los discípulos del señor del mal. Todos los amigos del Padre Jacob se verán arrastrados a una espiral de violencia y asesinatos que pondrán a prueba la fe del protagonista.

La serie sorprende por algunos momentos escalofriantes (un cura al que se le desprende la piel) o la inclusión de temas tabú en La Iglesia (el aborto, la homosexualidad). Todo ello lo hace mezclando perfectamente el drama, el terror, el misterio y el suspense. Con un guión maduro y una realización de cine, la serie se centra principalmente en Londres aunque llega a su clímax final en Roma, en una demostración de medios por parte de la BBC. Realizar una serie como esta no debe ser precisamente barato.

Durante los seis horas de serie se lanzan temas muy clásicos en las historias de exorcismos (el bien contra el mal, la tentación, las mentiras de los demonios, las crisis de fe...) Los guionistas lanzan incluso cuestiones extrañas y ciertamente originales (¿Puede un Santo poseer a una persona igual que haría un demonio?). Del mismo modo sorprenden situaciones inversas a las habituales, como que los demonios posean los cuerpos de los exorcistas.

En definitiva, seis horas de entretenimiento para quien guste de exorcismos y posesiones. Una pequeña joya de esas que pasan inadvertidas para muchos y que demuestran que la televisión inglesa también tiene potencial para hacer buenos productos de entretenimiento y calidad.